PREMIADOS DE LOS OSCAR 2011

Ayer, un año más, se celebró la ceremonia de entrega de los premios Oscar. No seríamos un blog de cine si no diéramos importancia al acontecimiento más importante del año dentro de este ámbito. Durante estos meses hemos ido centrando la mayoría de nuestras críticas sobre las películas nominadas (que iremos aumentando en las próximas semanas) y a continuación os presentamos un pequeño resumen de los premios más importantes.

MEJOR PELÍCULA

    

    "El discurso del Rey". La película sobre el rey tartamudo Jorge VI ha conmovido finalmente a la academia por encima de otras apuestas fuertes como "La red social", favorita para el galardón en un principio, pero que ha ido perdiendo fuelle con los meses.

MEJOR DIRECTOR

   

     "Tom Hooper". El director de "El discurso del rey" gana el premio dando quizá la sorpresa de la noche al evitar la academia dárselo a David Fincher, nominado por "la red social" y nominado hace dos años por "el curioso caso de Benjamin Button", o a Aronofky, nominado el año pasado por "el luchador" y éste por "el cisne negro".

MEJOR ACTOR

     Colin Firth. Creo que había pocas dudas acerca de este galardón, ya que el único que podía hacerle frente era Jeff Bridges, excelente en "Valor de ley", pero galardonado ya el año pasado, algo solo conseguido antes por Tom Hanks (gracias por el apunte a nuestro redactor "Newlife").

MEJOR ACTRIZ

     Natalie Portman. Otro galardón con pocas dudas. El trabajo de la hermosa israelí-estadounidense es excelente. Su caracterización de bailarina recta, tímida y acomplejada, sobrepasada por su lado maligno convence desde el baile inicial.

ACTOR DE REPARTO

      Christian Bale. Algún día tenía que ser. El talentoso actor llevaba ya años pidiendo un sitio en el Olimpo de los oscarizados, y como actor secundario este año era imposible que se le escapara. Solo John Hawks por "Winter's bone" le podía hacer sombra, pero le falta todavía poder mediático  y mayor relevancia como para arrebatarle el premio a alguien que lleva pidiendo paso desde hace tiempo.

PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

"Un mundo mejor" (Dinamarca). Lo único que tenía claro era que de entre las nominadas la única que no se lo podía llevar era "Biutiful". Este categoría viene siendo la más interesante de todas en los últimos años, por lo que dedicaremos una mayor profundidad a las diferentes nominadas en futuras críticas.

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

"Toy story 3". Sin competencia, sería una pena que tan magnífica trilogía no se sellara con tan dulce final.

GUIÓN ADAPTADO

      "La red social". Al menos la excelente película de Fincher se lleva uno de los mejores premios. Supongo que les sabrá a bastante poco, pero refleja al menos la trabajado historia y la excelente narración.

GUIÓN ORIGINAL

    "El discurso del rey". Otro de los grandes que se va para la película de Hooper. La competencia sí que estaba igualada en este categoría, sin embargo la inercia ha hecho de las suyas y se lo otorgó al más obvio. Todavía no me queda claro la definición de esta categoría, ya que aunque estas películas no se basan en libros, muchas sí se basan en las vidas de otras personas y hechos históricos, por lo que no se diferencian tanto de ser un "guión adaptado".

RESTO DE PREMIOS

    De el resto de los galardones tenemos que destacar los llevados por "Origen", fotografía, sonido y efectos visuales (4 en total). Todos sin discusión. También destacar el Oscar a mejor documental llevado por "Inside job", un interesante trabajo sobre la crisis financiera que se lleva el premio por encima del elogiado documental de Banksy "exit through the gift shop".

    Pues hasta aquí nuestro pequeño resumen sobre los Oscar de este año. Esperamos que os sirva de referencia. Os recuerdo que podéis hacer cualquier tipo de comentario sobre vuestra opinión acerca de los premiados, tanto abajo, como en el muro de nuestra página en facebook, o en la tabla de discusión, en la página de facebook también, hecha especialmente para el evento.

NOTICIAS: Primera imagen de lo nuevo de Terrence Malick

 

      Estrenamos nuestra sección de noticias con la primera imagen de la futura nueva película de Terrence Malick. El director de "La delgada línea roja" y "Malas tierras", está a punto de estrenar "La fuente de la vida" en nuestro país, película que lleva ya varios años rodada pero que no termina de llegar a los cines. Sin embargo, su siguiente película empieza poco a poco a se desvelada.

     Todavía sin título oficial, el film parece apuntar hacia una temática romántica con la presencia de Ben Affleck y Rachel McAdams (en la fotografía). Además de estos dos, la película también cuenta con la participación de Javier Bardem (el hombre de moda) y las hermosas Olga Kurylenko, Rachel Weis y Amanda Peet, y también Barry Pepper ("La última noche", "Los tres entierros de Melquiades Estrada"), entre otros.

      Poco más se sabe del nuevo proyecto del director norteamericano, del que se esperaba desde hace tiempo su vuelta a los cines. El talentoso y misterioso director (el cual no concede entrevistas) puede que nos sorprenda gratamente con esta nueva obra que además cuenta con un atractivo reparto.

  FUENTE:   www.blogdecine.com

EL HIJO DE LA NOVIA

Director: Juan José Campanella

Reparto: Ricardo Darín, Héctor Alterio, Norma Aleandro, Natalia Verbeke, Eduardo Blanco, Gimena Nóbile

Año: 2001

Puntuación: 8,5/10

Nuestro protagonista es Rafael (un muy buen Ricardo Darín), un hombre de mediana edad que vive para y por su restaurante viviendo entre la locura a todas horas del día. Lo trata como a un hijo. Y lo que rodea a su vida lo tiene todo patas arriba, desatendido. Empezando por su novia, siguiendo por su hija y terminando en su madre, que está enferma de Alzheimer, y a la que hace mucho que no visita en un centro para mayores. Pero, el destino y el futuro siempre nos brindan situaciones con las que tenemos que lidiar aunque no queramos. Y por una serie de cosas el mundo de Rafael cambia, sobre todo por un sueño de su madre: casarse por la Iglesia. Y todo empieza a ser otra vida, una vida nueva.

La película discurre de una manera muy fluida y lineal, es decir, no te lleva a ningún callejón sin salida. Es directa, exquisita y muy bien llevada a cabo. Campanella es muy bueno en esto de hacer guiones y después eso se ve reflejado en sus películas, donde las personas y los sentimientos están descritos muy bien, muy precisos y muy reales, muy bien delineados en resumen. Y en esta película no iba a ser menos.

La familia está muy bien retratada, la relación del padre y el hijo: lo bien que se llevan y el apoyo entre los dos, la de la madre y el hijo: se retrata por los problemas del pasado entre ambos, y la del padre y la madre: absoluto amor y complicidad. Con muy buenos diálogos, ágiles y divertidos, sinceros y cálidos, poco a poco vamos viendo el transcurrir de la película.

Para terminar decirles que la miren, es muy buena, y hay muchos alicientes: desde el director, pasando por Ricardo Darín y Héctor Alterio, hasta nuestra protagonista femenina y los diálogos y la historia en sí. Y algo muy importante, como ven la vida los argentinos: esa mezcla de sicología usada en todos los puntos de la vida y ese humor tan suyo de que todo puede pasar en cualquier situación.

EL DISCURSO DEL REY (The king's speech)

Director: Tom Hooper

Reparto: Collin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce, Timothy Spall

Año: 2010


Puntuación: 7,5/10

    Esta historia nos cuenta como el duque de York, tartamudo desde pequeño, hijo del rey Jorge V, acaba sucediendo al trono a su hermano mayor Eduardo VIII, durante los años 30 y el estallido de la segunda guerra mundial. La tartamudez, un gran inconveniente para su vida pública y política, le resulta una losa cada vez más pesada, hasta que recurre a la consulta de Lionel Logue.

 
      La vida Real, tan idealizada por el pueblo, siempre alejado de todo tipo de contacto con tan privilegiada clase, presenta a veces deberes ineludibles con aquellos sobre los que se reina. Ciertamente, a veces recae el cargo sobre gente responsable y válida, de buenas intenciones y concienciados de su posición y poder. Éste es el caso del duque de York, enormemente interpretado por Colin Firth. El actor nos presenta a un duque serio, estresado y amargado por su discapacidad; presionado por las exigencias de su padre, el cual no ve francamente en su primogénito (Guy Pearce) un heredero acorde con las responsabilidades del puesto. Por lo tanto, asistimos a la transformación de Firth en un príncipe preocupado y tenso, pero también pasional, familiar, perseverante e irónico, capaz de reírse de sí mismo, acompañado siempre de su fiel esposa y su característico tartamudeo.

      La pausa y la sal de la película, evitando una espiral de drama histórico que podría provocar sopor, la pone el peculiar practicante del habla Lionel Logue. El curioso actor Geoffrey Rush, uno de esos secundarios de la vieja escuela, se divierte ironizando con la privilegiada situación de su personaje sobre el duque de York, sacando lo mejor y lo peor de su Alteza Real, mostrando a la persona, y entablando una hermosa amistad que duró durante años.

      Al bien regulado guión, y las abismales interpretaciones, hay que sumar también la cuidada puesta en escena, con una excelente caracterización de los personajes y los decorados. Dentro de esto, tenemos que destacar el esmero puesto sobre Timothy Spall haciendo de Winston Churchill, tanto la interpretación como el maquillaje son realmente brillantes a pesar de ser un personaje casual en la historia.

     Así, es ésta una película de interpretaciones, una de esas películas que enganchan por los personajes, te familiarizas con ellos, observas sus cambios  y evolución, y por sí solos le dan veracidad y dinamismo al guión. Una historia sobre una amistad que sostuve a un rey cuando más necesitaba ser rey.

CISNE NEGRO (Black Swan)

  

Director: Darren Aronofsky


Reparto: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan


Año: 2010


Puntuación: 8/10




     Nina es una bailarina de ballet con gran talento, que vive solo para el baile. A medida que se acerca el estreno del lago de los cisnes, la presión y la extenuante búsqueda de la perfección que le exige su director le empiezan a causar serios problemas para distinguir realidad de ficción, acentuado por la rivalidad con sus compañeras.

     La inquietante atmósfera que rodea a todo lo inmerso en la locura es una de las claves del cine de Aronofsky. Sus películas muestran, a grandes rasgos, la destrucción sistemática del ser humano a manos de la obsesión, la desesperación y la ansiedad. Partiendo desde una cierta estabilidad o satisfacción, a excepción de "El luchador" (donde el protagonista ya estaba en el infierno), sus personajes se envuelven en una espiral del caos que se cierra más y más a medida que avanzan sus historias ("Pi" o "Requiem por un sueño"). Sus primeras películas hacían alarde de claustrofóbicas escenas de agobiante atmósfera y música chirriante. 

    Sin embargo, su cine a ido mutando en sus últimas películas, matizando uno detalles, controlando otros, dramatizando más, desesperando menos. En "el cisne negro" asistimos al sacrificio por la perfección de una magistral bailarina, frágil, dulce y tímida, espléndidamente interpretada por Natalie Portman. Un viaje por medio del estrés hacia la destrucción personal a cambio de la excelencia profesional. La búsqueda de su lado oscuro para la interpretación de la otra parte de su personaje convierte la historia en un proceso de invasión mental por parte de todo aquello que nunca había sido, y que de algún modo tenía guardado en su profundo yo.

  

     La hermosa Mila Kunis interpreta al "álter ego" oscuro de la protagonista, completando junto a Portman el duelo de belleza entre la rectitud y la osadía, el deber y la liberación. No obstante, la obsesión lleva a la protagonista a fijar el mal en su compañera, distrayendo su atención del verdadero problema que la está comiendo por dentro. Aronofsky oscila entre la propia imaginación y la realidad, manteniendo un buen equilibrio durante casi toda la película, confundiendo al espectador, atrapándolo en su propia espiral. Quizá el pincel se le sale del margen hacia el final de la historia, donde la psicopatía es desatada por completo, y el director desata todo su poder visual sin control, y el equilibrio ya no tiene sentido para él. 

     El desenlace, al igual que en "Requiem por un sueño", navega en el Caos. Sin embargo, Aronofsky controla cierta harmonía esta vez, finalizando un drama psicológico espléndido, narrado con fuerza y virtuosismo de cámara, con gran manejo de los detalles y el sonido, y magníficamente interpretado. El director presenta su película, junto a "El luchador", más equilibrada y madura, formando un excelente drama sobre los límites de la mente humana.

LA QUIMERA DEL ORO (The gold rush)

Director: Charles Chaplin

Año: 1925

Reparto: Charles Chaplin, Mack Swain, Georgia Hale, Tom Murray, Malcolm Waite, Henry Bergman

Puntuación: 8,5/10

Estamos en la época de la loca y desenfrenada búsqueda de oro a principios de siglo en los Estados Unidos. Nuestro protagonista es un solitario buscador de ese mineral interpretado magistralmente por Charlie Chaplin, sus pasos se dirigen a Alaska en busca de fortuna. Pero en su peregrinar una brutal tormenta de nieve truncará de momento sus planes y encontrará una cabaña donde mora un bandido.

 

A medida que la película va avanzando nos damos cuenta del talento de Charlot en todos los sentidos: desde hacernos ir en un segundo de la tristeza más dura a la felicidad más extrema, hasta sus maravillosas y genuinas interpretaciones para sacarnos una sonrisa de la boca o para hacernos reír. O esos gags inolvidables tales como el baile con Georgia y el perro, o la lucha contra el malvado gigante y mujeriego. Caso aparte y muy digno de mención es la escena del baile de los dos tenedores y las respectivas patatas a su final. Memorable y excelente. Tanto que ha aparecido en Los Simpson.

Me encanta la aparición de una mujer, en este caso Georgia, en medio de su búsqueda de la fortuna. Y claro, la mujer y el amor siempre por encima del dinero y de su propio bienestar. Muy Chaplin.

La música es un elemento a tomar muy en cuenta en esta deliciosa película, cada momento, cada imagen, están perfectamente retratadas con la ayuda de la música, que nos ayuda a comprender y meternos aún más en la trama.

Y como colofón, los actores y las actrices. Hay una cosa que me encanta del cine mudo y de Chaplin en particular, las buenas interpretaciones, la expresividad de los intérpretes. A falta de diálogos lo que queda es el personaje, la piel del personaje y estos se amoldan como un guante a dicho papel.

Para terminar deciros que siendo una gran película no es de las mejores, El gran dictador y El chico, por ejemplo, sí lo son. Pero esta película tiene algo especial, íntimo, que te hace ver la vida de otra manera y te llena de felicidad.

Charlie Chaplin simplemente uno de los más grandes.

LOS CHICOS ESTÁN BIEN (The Kids are all right)

  

Director: Lisa Cholodenko

Reparto: Annette Bening, Julianne Moore, Mia Wasikowska, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson, Yaya DaCosta, Rebecca Lawrence


Año: 2010




Puntuación: 7,5/10

       En una feliz y atípica familia forjada sobre un matrimonio de lesbianas,  surge la duda en sus hijos, obtenidos por inseminación artificial, sobre como sería la persona que donó el esperma con el que sus madres se quedaron embarazadas. De esta forma, los dos hermanos, una chica de 18 y un adolescente de 15, conocen a su padre biológico, Paul, que con el tiempo también se lo presentan a sus madres. De esta forma Paul se introduce en la vida de esta familia rompiendo la harmonía predominante.

      El cine independiente ataca de nuevo. Drama familiar con tintes de comedia. Nada nuevo en el horizonte. Sin embargo, sí es nuevo el planteamiento de la fórmula al introducir en el plano un matrimonio homosexual y la cría de sus hijos, tema peliagudo y de eterno debate para muchos. Los ingredientes, tal como comienza esta historia, apuntan en un inicio hacia una comedia que podría haber sido esperpéntica en malas manos, y quedarse en una mala copia de la genial "Pequeña Miss Sunshine". Para nuestro alivio, el humor se reserva a sutilezas simples que no hacen derivar la imagen de la ejemplar familia a la de un circo y sus bestias. 

     La homosexualidad queda muy alejada en la película del discurso político. El matrimonia entre estas dos mujeres queda reflejado como uno más de muchos otros, con sus furias y sus riñas, con su cariño y su complicidad. Al pasar 10 minutos olvidamos que sea un matrimonio gay, para centrarnos en ser un matrimonio a secas. El guión se centra en su día a día, en sus necesidades, en mantenerse unidos, en criar a sus hijos. 2 mujeres perfectamente normales, cultas y educadas, sin marcas masculinas de por medio, sin gastados estereotipos homosexuales de por medio. Simplemente partiendo de la razonable duda de sus hijos, se desencadena un drama que saca todas las miserias de sus integrantes de una forma muy humana. Incluido el repentino desencadenante de la historia, el bohemio personaje de Ruffalo, tiene cabida para reflexión y la crítica, para la melancolía y para cometer errores. Recordando a otros dramas al uso, como la emotiva "Secretos y mentiras", la película enfrenta a los ángeles y demonios de cualquier ser humano, analizando como a veces uno ataca al ser más querido a consecuencia del desgaste emocional.

    Con esto, la tercera película de esta directora californiana se presenta clara y firme en las candidaturas de los premios de este año con 4 nominaciones, una de las cuales a mejor actriz por Annette Bening, quien está muy creíble en su papel y es una firme candidata al galardón.

CRÍTICAS A LA CARTA

 PORQUE VOSOTROS TAMBIÉN DISFRUTÁIS DEL CINE:

       Cuando abrimos este blog, allá por el verano de 2008, ya llevaba tiempo dándole vueltas a la idea de llevar nuestra afición al cine hacia algún tipo de entorno que nos permitiera compartir nuestras impresiones sobre aquellas películas que nos llamaran la atención, ya fuera para bien o para mal. Desde luego, la idea inicial acabó mutando con el tiempo, dado que por aquel entonces nuestra cultura cinematográfica era más reducida, así como nuestra frecuencia a la hora de ver nuevas películas, y la intención del blog era más un acercamiento a esos films que nos habían marcado de verdad, rebuscando dentro de aquellas que pudieran no estar excesivamente divulgadas, o se quedaran dentro de esa categoría tan extraña que es "de culto". Así nuestras primeras películas fueron "La última noche" o "The Warriors", que para nosotros entraban dentro de esta categoría. 

          Ilusos que fuimos al pensar que la maravillosa y absorbente atracción que este hermoso arte produjo en nosotros no nos iba a llevar a sobrepasar esas estúpidas barreras del blanco y negro, el cine de autor, el cine independiente o el cine europeo u oriental (a pesar de que todavía no pueda con el musical...[risas]); o que no acabaríamos viendo, sin ningún tipo de molestia en nuestras rutinas, entre 3 y 5 películas semanales. Ahora mismo nuestras vidas no serían las mismas si no hubiéramos disfrutado con Ford, Hawks, Lang, Wilder, Capra, Buñuel, Bresson, Chaplin, Murnau, e infinidad de ellos más. Sin embargo, me gustaría volver un poco a aquella idea inicial que nos llevó a fundar este blog. Para ello, abro esta sección con el propósito de que vosotros, nuestros lectores, recomendéis películas que os hayan llamado la atención, no criticadas aún por nosotros, para que así las visionemos y hagamos su correspondiente crítica. 

    Para ello, podéis por ahora dejar vuestras recomendaciones como comentarios en esta entrada o en nuestra página de facebook (en la sección de discusión [críticas a la carta]). A medida que vayamos haciendo estas críticas se os comunicará especialmente la publicación de nuestra entrada al que la haya recomendado.

        

MUCHAS GRACIAS POR VUESTRA COLABORACIÓN

WINTER'S BONE

 
Director: Debra Granik

Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Kevin Breznahan, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Shelley Waggener, Garret Dillahunt

Año: 2010


Puntuación: 8/10

       Ree Dolly, la hermana mayor de una familia situado en una recóndito paraje de la explanada americana, cuida de sus hermanos pequeños a la par que se ocupa de su madre, mentalmente enferma. La falta de su padre, desaparecido hace semanas, provoca la visita del sheriff, el cual les comunica que se quedarán sin casa si su padre no vuelve.

      El cine independiente siempre ha sido una interesantísima fuente de experimentación para los cineastas y a la vez una forma de renovación y aporte de frescura en el saturado mercado de la industria, lleno de repetidas superproducciones, risas fáciles y taquillazos forzados. Pero en los últimos años observamos un auge especial del género, en parte por la falta de creatividad para los grandes proyectos, en parte por la elevada calidad  de este cine, que además últimamente tiene una participación más que destacable en los premios, en especial los Oscar. Entre las participantes de 2011, encontramos esta oscura mezcla de géneros, con varias nominaciones.

    En esos sitios donde la desgracia es respirable, donde el rudo invierno congela los huesos, y el bosque helado forma un ecosistema perfecto para que solo unos pocos desgraciados formen una sociedad a base de casas prefabricadas; allí en la América más hostigada, es donde se desarrolla esta historia. Esa turbia población de familias emparentadas entre sí, dedicados a tareas más que cuestionables, y organizados por peligrosos criterios, esconde los secretos más oscuros de la trama. La incertidumbre invade al espectador a la vez que la sensación de frío. El guión permite hacer pocas preguntas, la protagonista se ve obligada a pisar terrenos prohibidos y a hablar de cosas que no son de su incumbencia. Poco a poco nos damos cuenta de lo mal que puede acabar el asunto.

    A través de esa intrincada ambientación nos vemos sin explicaciones atrapados por la cruda realidad del drama familiar de Ree Dolly, fantásticamente interpretada por Jennifer Lawrence. Sentimos el magnetismo que provoca la intervención de un gran actor al ver el personaje que interpreta John Hawkes (el judío de "Deadwood"), capaz de transmitirnos miedo al inicio, y ternura al final. El resto del reparto supone un surtido de rudos personajes, dispuestos a todo, imposibles de domar, de pocas palabras, y obedientes lacayos de su líder que consiguen transmitir en conjunto una lograda sensación de inseguridad.

      La solidez de este duro film de supervivencia familiar es sorprendente. El cine indie presenta con este largo un duro candidato que seguramente quedará en el olvido de no ganar nada, pero no por ello deja de ser altamente recomendable.

  

GOYA AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

Ya están aquí festivales y galas de premios de todo tipo para otorgar galardones a lo más granado de 2010. Sundance, los Bafta, los Goya, los Oscar… Una orgía de premios y premiados que pronto verá su fin pero que, mientras tanto, inundan prensa y carteleras.

En esta entrada me voy a quedar en los premios de casa, en los Goya. Se me antoja complicado elegir una favorita para el premio gordo; creo que en esta edición el nivel está muy, muy alto. Pero, quien más quien menos, todos conocemos las cuatro candidatas al Goya a la mejor película de 2010. Por ello, voy a girar la vista a un premio más humilde, de corta repercusión y duración. El Goya a mejor cortometraje de ficción.

El nivel no es, lamentablemente, de la talla de películas como También la lluvia o Buried. Pero hay cosas interesantes que merecen la pena ser vistas y que anticipan buenos modos y buenas ideas de los que el día de mañana serán los nominados en categorías más importantes.

UNA CAJA DE BOTONES (María Reyes Arias)

Una madre hospitalizada, un padre camarero, un hermano mayor todavía en la escuela… la vida de la niña protagonista de Una caja de botones no es sencilla. Y mucho menos en Navidad, cuando los Reyes Magos irrumpen las casas de todos. O, al menos, de casi todos. A Irene los Reyes no han podido traerle lo que ella había pedido, así que su padre, Andrés, se verá obligado a contarle la verdad acerca de esos señores que vienen de Oriente y la relación que los padres guardan con todo ello. “Cuando te pregunten en la escuela qué te han regalado, contestas: una caja de botones para los preguntones”, dice Andrés a su hija.

La idea de inicio es buena, pero Antonio de la Torre en el papel del padre y la imaginación de la niña ante tan dura situación son lo poco que podemos salvar de este trabajo. Los dos niños parecen estar actuando en la obra del colegio. Los diálogos suenan a rancio e incluso el montaje de la cinta chirría en más de una ocasión. Se trata, desde mi punto de vista, de la opción más pobre de las cuatro.

ADIÓS PAPÁ, ADIÓS MAMÁ (Luis Soravilla)

Sole prepara la cena a su marido mientras esperan a que su hijo llegue del trabajo. Una madre controladora, un padre de Marca y mando a distancia y un hijo, de cierta edad ya, que ha sido ascendido ese mismo día en el trabajo y está dispuesto a comunicar a sus padres que se va a vivir con su novia.

Adiós papá, adiós mamá es lo más parecido a un chiste que se ha llevado a una pantalla. Si por chiste entendemos una historia narrada con el fin de que, en determinado momento, un golpe de efecto provoque la carcajada del respetable (aunque en este caso sólo queda la intención de provocar tal cosa). Aunque por chiste podríamos entender también la aparición de Miguel Ángel Muñoz en escena, el hijo de la pareja. Pretende hacer creer que no es muy listo, que el poder controlador de su madre no le ha preparado lo suficiente para la vida. Probablemente trabaje como empleado en un MacDonalds o de guardia de seguridad del Carrefour. Aunque lo cierto es que no cuela. El intento se queda en ridículo, tanto como una supuesta barriga cervecera provocada no por dicha bebida alcohólica, sino por, probablemente, uno de los cojines del sofá del lugar en donde se rodaba la secuencia y que alguien creyó oportuno incorporar a la trama. Lo positivo, unos padres que sí son creíbles, que provocan, aunque no esa carcajada, sí una sonrisa, lo cual es, visto lo visto, un clavo ardiendo al que agarrarse.

ZUMO DE LIMÓN (Jorge Muriel, Miguel Romero)

Con este cortometraje el nivel se incrementa en cierta consideración. Narra la historia de una abuela que, tras quedar viuda, ve cómo su vida cambia por completo. Lo cual le hace replantearse qué ha hecho en su pasado. Sus relaciones, sus recuerdos, sus miedos…

Qué poderosos somos cuando tenemos la fuerza suficiente, cuando la sociedad nos ve como seres útiles, servibles. Y cómo a veces no sabemos aprovechar esa ventaja. Abusamos del poder (con nuestros hijos, con nuestros compañeros de trabajo…) sin darnos cuenta de que más bien pronto que tarde perderemos ese poder y nos veremos abocados a lo que quienes estuvieron bajo nuestro mandato quieran hacer con nosotros. La protagonista de esta historia no ha sido todo lo buena que podía haber sido, ha ejercido su poder con demasiada soberbia. Ahora, sola, tendrá tiempo para reflexionar sobre lo que ha hecho bien y lo que ha hecho no tan bien. Aunque sus hijos parecen tener muy claro que de lo primero abunda más bien poco.

EL ORDEN DE LAS COSAS (César Esteban Alenda, José Esteban Alenda)

Sin duda, la mejor de las opciones. Al menos, la más original, la que más propone, la que más provoca al espectador. Julia vive en una bañera. Gota a gota ve su vida pasar, una vida que no es ni será nada sencilla, una vida marcada por la mal llamada (ya que las personas no disponemos de género, sino de sexo) violencia de género.

Aunque a veces uno cree que está viendo un anuncio de índole gubernamental y que los personajes secundarios no están del todo bien, lo cierto es que El orden de las cosas propone y propone de forma muy bella en fondo y forma. Su marido busca su cinturón, el cual ya había pertenecido a su padre, a su abuelo… en una más de las metáforas que impregnan el relato. El cinturón como símbolo de poder que se hereda de padres a hijos y que determina el orden de las cosas. Julia ve cómo pasan los años por su marido sin que nada cambie. Sólo su hijo parece comprenderla, aunque eso no es suficiente, por lo que deberá tomar una determinación para escapar de ese sufrimiento.

Un relato precioso, con una más que creíble Manuela Vellés en el papel de Julia y una continua sucesión de bellas metáforas que hacen ver al espectador, en la medida de lo posible, en lo que la vida de muchas mujeres se convierte desde recién comenzados sus matrimonios.