UN MONSTRUO VIENE A VERME (A Monster Calls)

Año: 2016
Duración: 108
País: España

Director: J.A. Bayona
Guión: Patrick Ness (a partir de su propia novela)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Oscar Faura
Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Geraldine Chaplin, Joe Curtis


Connor (interpretado por Lewis MacDougall) es un niño tímido, introvertido y sensible que tiene 12 años y al que unos macarras le pegan en el cole, además tiene que ser el hombre de la casa porque sus padres están separados y para colmo, su madre (Felicity Jones, ya nominada al Oscar por "La teoría del todo") tiene cáncer y tiene que cuidar de ella. Vamos, un panorama la mar de divertido y optimista.

Bayona cierra su trilogía sobre las relaciones de madre-hijo con una buena película dramática sin llegar al lloriqueo fácil y mejor aún, sin ser un dramón con mayúsculas. Nos lleva por una historia dura y de superación, en la relación tan única y especial entre una madre y su hijo uniendo animación y actuación real, todo cuidado con mucho detalle y con un mimo digno de ser mencionado.

PAPRIKA, DETECTIVE DE LOS SUEÑOS

Director: Satoshi Kon

Reparto: Animación

Año: 2006



Puntuación: 7/10

      Los científicos de un laboratorio han ideado una máquina experimental para introducirse en los sueños de la gente y poder así tratar graves enfermedades mentales. Paprika es una detective que utiliza clandestinamente estas máquinas para resolver crímenes. Un día alguien roba los prototipos y comienza a introducirse en los sueños de sus creadores para destruir sus mentes.

     Cuando Christopher Nolan llenó los cines el verano pasado con su particular visión de los sueños en "Origen" nadie se paró a pensar en cómo afloraron esas ideas en su mente para recrear semejante entramado onírico. Todos dimos por original y revolucionario el planteamiento de Nolan, dejándonos sorprender por su narración y poder visual, a pesar de pasarse toda la película intentando explicar el funcionamiento de su mundo de los sueños. Sin embargo, lo que ocurre es que Nolan, antes de dar a luz a su creación, vio Paprika.

     El abordaje que se hace del mundo del subconsciente en esta película deja con la boca abierta desde los primeros minutos. Del circo salta a un hotel, del ritmo normal se pasa a la cámara lenta, de la estabilidad del suelo se pasa a pisar un agujero negro. No existe la estabilidad de los sueños de "Origen", aquí la libertad creativa es total, puedes ser pequeño o un gigante, volar sobre una nube o participar en un desfile con ranas tocando el tambor, frigoríficos cantarines y horribles muñecos parlantes. Es decir, los sueños son sueños, todo es posible, no hay reglas y participar en el sueño de otra persona implica estar a merced de lo que la mente del sujeto sea capaz de inventar.

     Al contrario de lo que ocurre en la película protagonizada por DiCaprio, la narración es alocada, desordenada y a veces confusa. Los acontecimientos presentan a veces una justificación difícil y su razón de ser pasa a un segundo plano dejando paso a una libre comprensión que nos va llevando a los puntos clave de la historia, que son los que nos permiten hilar de alguna forma el argumento sin volvernos locos. Algo parecido ocurría en esa extravagante obra de Terry Gilliam llamada "El imaginario del doctor Parnassus", en la que era mejor no intentar explicarse lo que se le pasaba por la cabeza al director al rodar algunas escenas.

    

    Satoshi Kon nos muestra todo esto a través de maravillosas imágenes, una animación impecable llena de creatividad y color, detallada de forma concisa. El creador de "Tokio Godfathers" o "Perfect Blue" (de las cuales hace propaganda en la película) presenta sin ningún tipo de escrúpulos una visión osada y valiente de la mente humana, una recomendable película para los amantes de la animación seria, un buen ejemplo de que a veces las buenas ideas vienen antes de otras buenas ideas.

CHICO & RITA

Director: Fernando Trueba, Javier Mariscal
Año: 2010
Puntuación: 8/10


Hace tiempo ya que la animación para adultos ocupa un lugar importante en nuestras carteleras (desde Cuando el viento sopla, en los ochenta, o La princesa Mononoke, en los noventa, hasta la genial y reciente Mary and Max. Pero eso no impide que sorprenda con gran agrado esta especie de Casablanca (la historia de un amor imposible que va y viene) con la estética de la israelí Vals con Bashir, llamada Chico & Rita.

 
Una película que no se puede explicar sin hacer mención, y hacerlo además en primer lugar, de su música. Una de las mejores bandas sonoras que he disfrutado nunca. El jazz, entre otros género musicales, inunda la película de principio a fin. Las trompetas, los pianos... inauguran escena tras escena y, lo increíble, es que uno nunca se cansa y acaba pidiendo siempre que la siguiente lo haga del mismo modo. La música, exquisita elección del genial Bebo Valdés, se le queda a uno en la cabeza día tras día, una vez acabado el visionado de la película.

Cada tema encaja a la perfección con otro universo, el de los dibujos y los colores, perfectamente elaborados por Javier Mariscal. El universo del dibujante valenciano impregna cada escena. Cortinas, baldosas... todo huele y sabe a Mariscal, resultando un auténtico placer para los sentidos.



El guión, por su parte, corre a cargo del oscarizado Fernando Trueba. Quizá no alcance la perfección de música y dibujos, pero eso quizá hubiese sido demasiado pedir. El guión es bueno, brillante incluso en algunos momentos. Transmite en su totalidad la cultura, la Cuba de mediados de siglo pasado, y cierra las historias de cada uno de los personajes de modo brillante. La película, además, se permite el lujo de homenajear al Hollywood clásico. El cine negro, Casablanca, Hitchcock, Marlon Brando... pero ha creado una nueva estrella: Rita. Resulta completamente imposible no enamorarse de ella. De su voz interpretando Lily (maravilloso tema principal de la película), de sus ojos verdes, de sus curvas, de sus labios. Es una lástima que el personaje de Chico no tenga esa fuerza de la que dispone su pareja de baile.

En definitiva, guión, dibujos y música se aúnan para presentar esta fantástica  Chico & Rita, que hoy se estrena en los cines de toda España y que, yo que vosotros, no me perdería.

MARY AND MAX

Director: Adam elliot

Reparto: Animación

Año: 2009

Puntuación: 8,5/10

       Mary es una niña australiana que un buen día, en busca de encontrar un amigo, escribe una carta a un nombre salido por casualidad de una guía de teléfonos. De esta forma, la carta llega a Nueva York, recibida con asombro por Max, un solitario cuarentón con problemas de integración y síndrome de Asperger. Así ambos iniciarán una correspondencia que se prolongará durante años, cimentando una entrañable amistad.

     Las cosas más inocentes a veces son el vehículo más adecuado para mostrarnos los elementos más tristes y escabrosos de las vidas de aquellos que no tienen la fortuna de ser agraciados. La dulce ternura de una niña acomplejada y atormentada por la crueldad infantil la lleva a entablar amistad con un solitario, zafio y maniático cuarentón, con problemas de obesidad. Sin embargo, el amor de ambos por la vida y el chocolate los irá llevando por el camino de la superación durante los años de su larga correspondencia.

    Filmado en un simpático "Stop motion", su atmósfera sobre blanco y negro determina el tono dramático de la historia, que se ve camuflada a través de sutiles toques de tono rojo brillante, que juega con el contraste sobre le que se asienta la pelicula. Dicho contraste viene dado por el tono conciliador y agradable de la voz en "off" del narrador unido al aspecto alegre y divertido de los personajes, y por otra parte por el trasfondo agrio y nostálgico de la historia. 

      Bajo este aspecto sincero y digerible, asistimos a un tratado sobre la soledad, sobre gente aislada y sin nadie a quien acudir, sobre personas incomprendidas que solo se entienden entre ellas, sobre falta de cariño, sobre necesidad de emociones. La animación no esconde la cruda realidad de dos personajes que terminan siendo unos supervivientes a sus dificultades sociales y unos adictos a la vida en un mundo extraño donde la gente no es muy consciente de su existencia. Pero disfrutar de la vida es siempre posible mientras haya chocolate.

      

CUANDO EL VIENTO SOPLA (When the wind blows)

Director: Jimmy T. Murakami 

Reparto: Animación 

Año: 1986 

Puntuación: 8/10 

     La simpática pareja de jubilados formada por Jim y Hilda vive en una hermosa casita de   campo   en   Inglaterra. Frente   a   las   tensiones   políticas   entre   Rusia   y   EE.UU.,   se   teme   el  estallido de una nueva guerra mundial, ante la cual el gobierno inglés a distribuido entre la  población   unos   folletos   de   orientación   y   de   preparación   en   caso   de   catástrofe   nuclear,  incluyendo la construcción de un refugio. 

     Durante   la   guerra   fría   hubo   épocas   de   gran   tensión   política,   en   las   cuales   se  especulaba   con   el   posible   estallido   de   una   guerra   nuclear.   Sin   embargo,   estos  enfrentamientos  de  provocación  poco  tenían  que  ver   con  la  población  de  a  pié,   a  la  cual  poco le impor taban en realidad rusos o americanos. 

     En   este   largometraje   animado   podemos   presenciar   como   una   encantadora   pareja  disfruta de la vida, sin otra preocupación que sus nietos o tener la casa limpia.  El estallido  de   la   guerra   poco   altera   el   ánimo   de   los   dos   personajes,   cur tidos   ya   en   mil   batallas,  veteranos  de  la  anterior  guerra  mundial.  Es  la simpleza con  la  que  afrontan  el  conflicto  la   mejor   de   la   maravillas   de   esta   película.   La   visión   simple   y   reducida   de   ambos   ancianos  sobre   el   problema   hace   estúpidos   al   complejo   político   y   a   la   preocupada   sociedad.   Es   esta  sencillez  además,   la  que  les  hace  al   final   sobrevivir   durante  días,   perdidos  solos  en  medio del impacto atómico.

       Narrada  con  soltura  y   gracia,   de  bellas  imágines,   combinando   diferentes  técnicas  de  animación, la película se perfila como una entretenida visión de los temores sociales de la  época,   retratados   por   la   inocencia   de   dos   adorables   ancianos   que   ayuda   a   disfrazar   el   horror.

TOY STORY 3

Director: Lee Unkrich

Reparto: ANIMACIÓN (Woody, Buzz Lightyear, Mr. y Mrs. Potato, Cerdo-Ucha, T-Rex y muchos más)

Año: 2010


Puntuación: 8/10

       Andy se va a la universidad. Lejos quedaron ya los días de aventuras con sus juguetes. Al dejar la casa, unos juguetes van a guardarse en el sótano, guardados para siempre como recuerdos imborrables, mientras que otros serán donados a una guardería. Por equivocación, los juguetes más queridos de Andy, son trasladados a la guardería Sunnyside, donde comenzarán una larga aventura para poder volver a casa.

     Siendo pequeños, las películas de animación, los dibujos animados de toda la vida, constituían uno de nuestros pozos de cultura más importantes. Durante muchos años las películas de Disney nos marcaron recuerdos imborrables en nuestras mentes, repletos de canciones inolvidables que siempre recordamos en alguno de esos viajes al pasado que practicamos entre copas. Junto con esas series de dibujos de toda vida, que no voy a nombrar porque ya todos sabemos cuales, esas películas de la factoría de Mickey Mouse fueron nuestra cuna hasta que nos consideramos mayores. Es justo en este pequeño detalle donde la animación tenía su límite, o más bien su desprecio, y en donde experimentó una escalada inmensa hasta colocarse como el mejor cine que se está haciendo ahora mismo (junto con las series de televisión).

     Hace tiempo ya que este tipo de cine ha empezado a hacer valer la etiqueta de "cine para todos los públicos". Ya no son películas para niños, a los cines van jóvenes, mayores y ancianos y por supuesto párvulos a ver la nueva obra maestra de Disney, Dreanworks o sobretodo Pixar. Todos ríen, nadie sale indiferente de la sala, todos quedan satisfechos. En un mundo de múltiples sociedades, de variadas culturas y estratos sociales, todos tenemos una cosa en común: Todos somos o fuimos niños. Partiendo de esta base, Pixar es capaz de arrancarnos una sonrisa o una lágrima feliz atacando nuestros sentimientos más básicos de la forma más natural.

    Así, ya hace años llegó a todos nuestros corazones recreando a un grupo de juguetes simpático y peculiar, que podrían ser los juguetes de cualquiera de nosotros, haciéndonos recordar lo bien que nos lo pasábamos con ésos, nuestros primeros amigos. Con la segunda parte hicieron gala de la misma habilidad, siendo el 2 del nombre únicamente algo anecdótico. Ahora, el 3 del título parece un chiste, sin embargo, esta gente lo ha vuelto a hacer. Todo es magia en la última aventura de estos juguetes. No hay un momento de respiro. Todo es acción y diversión, todo se mueve, todo tiene sentido, todo nos conmueve. En busca de la inocencia de su antiguo dueño, sólo buscan poder quedar guardados para siempre en el trastero, llenando para siempre su baúl de los recuerdos. Cada uno de los personajes es entrañable. Todo merece la pena. No hay grandes chistes, solo una sonrisa permanente que dura toda la película hasta horas después del final. 

    Conseguir que los espectadores sientan emociones tan increíbles como el inicio de Wall-E, con ese robot solitario en basto planeta deshabitado sin decir una palabra, o los primeros 20 minutos de UP, con ese relato maravilloso de como se forjó un amor y se amaron dos personas hasta la muerte, sólo las puedes experimentar con las películas de esta gente virtuosa. Con Toy Story 3 han finalizado una trilogía fantástica, intocable, y que quedará ahí, imperecedera para la historia del cine, para grandes y pequeños, para nuestra infancia y nuestra vejez, para nosotros, nuestros hijos y nuestros nietos. 

WAKING LIFE

Director: Richard Linklater

Reparto: Ethan Hawke, Julie Delpy, Wiley Wiggings, Trevor Jack Brooks, Tmothy Speed Levitch

Año: 2001

Puntuación: 8/10

      Un anónimo personaje presencia en sus sueños diferentes testimonios y conversaciones de gente que no conoce. Todos ellos mantienen motivados discursos en los que tratan temas relacionados con la muerte, el individualismo, el yo, la mente y el alma, y la sociedad.

      Bajo una estética animada, plasmada sobre personajes reales usando la técnica de la rotoscopia, apareció hace algunos años esta interesante película de cine independiente. De gran contenido filosófico, se van tratando diferentes temas de carácter existencial, bien mediante discursos directos, como por conversaciones o diálogos entre varias personas, todos ellos bajo el contexto de los sueños.

     Lejos de presenciar una aburrida y abstracta antología filosófica acerca de temas tan tratados por los más conocidos ensayistas, los diálogos fluyen de forma lógica e intuitiva ejemplificando cada una de las teorías propuestas. Las ideas planteadas, muchas de ellas familiares al espectador, se mencionan de forma natural, surgiendo de la nada, pero con completa espontaneidad, con lenguaje palpable y entendible, dejando paso a una reflexión propia que invita a uno mismo a participar mentalmente de la conversación y a la expresión de acuerdos y desacuerdos.

      Pero a tan curioso contenido le acompañan imágenes de desconocida belleza, formadas a partir de una técnica no muy extendida, pero que a este director ya le ha proporcionado más de un buen resultado (véase "A scanner Darkly"). Las palabras se ven acompañadas de hipnóticas formas y colores, muy expresivas, que incluso a veces intervienen en la propia conversación, como si de un profesor y su pizarra se trataran.

      El bello contenido de la película hace de ella un exótico fruto, increíblemente fácil de consumir para su temática, ligero y reflexivo, que deja tras de sí una placentera sensación de necesidad de conocimiento y búsqueda del propio papel en la vida.

NÚMERO 9 (number 9)

Dirección: Shane Acker


Animación


Año: 2009


Puntuación: 6,5/10

Ambientada en un futuro postapocalíptico, tras una guerra mundial entre hombres y máquinas, nos cuenta la historia de 9 muñecos de trapo que se deberán enfrentar a un séquito de máquinas, causantes de la desaparición de la humanidad, para poder preservar la esencia de la especie. "Nueve" es el último de los muñecos en despertarse, dotado de una curiosidad mayor que sus compañeros, intentará averiguar la razón de su existencia.

Dotada de una animación y efectos deslumbrantes, "Número 9" merece la pena solo verla por sus escenas de combates y acción, que son realmente una delicia visual. Debemos destacar también la notable ambientación postapocalíptica, digna de los mejores videojuegos de temática similar (si han jugado alguna vez a cualquiera de los 3 "Fallout" entenderán lo que digo). Con un llamativo comienzo, la película te sumerge en los primeros minutos en un mundo llamativo y oscuro, sumergido en un ambiente sombrío y extraño, que invita a explorarlo con nuestro pequeño amigo de trapo.

Sin embargo, el guión pierde originalidad entrados los primeros 20 minutos. Mezcla de muchas cosas ya hechas, la historia no nos descubre nada realmente nuevo, quedando unos escalones por debajo de la fina y apabullante animación.

No obstante, este cuento sobre la aniquilación de la humanidad viene a proporcionarnos una visión agradable y curiosa, que no debería dejarse pasar. Queda la pena de que, partiendo quizá de una idea tan buena, con tantas posibilidades para un guión más filosófico y trascendental, no hayan tenido la ambición suficiente y se quedaran en una película de animación entre lo infantil y lo adulto. Bien alto.

AKIRA

Director: Katsuhiro Otomo.

Año: 1988.

Puntuación: 9/10.

En un futuro apocalíptico, Neotokio es una ciudad superpoblada llena de delincuencia, formada después de un cataclismo. Las bandas callejeras dominan las calles, y el peligro está en todas partes. En ella, secretamente se realiza una investigación en busca de un ser supremo, todopoderoso, cuya aparición causó una gran catástrofe en el pasado.

Para el manga y el ánime japones, hubo un antes y un después de esta película. Poco tiene que ver con el concepto de película de animación normal. Cargada de violencia y brutalidad, Akira hace una reflexión moral sobre el destino de la humanidad. El Caos existente en la ciudad, y posiblemente en el resto del mundo, será interrumpido por otro Caos, que reiniciará la existencia. Algo así como el diluvio universal, pero con explosiones nucleares. En este caso, un poder superior empieza a manifestarse, amenazando con interrumpir el desequilibrio existente.

Después de ver esta película no te puedes quedar indiferente. Mil interpretaciones diferentes se pueden hacer sobre los diferentes hechos que ocurren durante la película. Una historia espectacular, que causó gran impacto en su época, y que ahora mismo sigue siendo un filme de culto, que todavía no ha encontrado sucesor en el trono de las películas ánime. Además, es una película difícilmente clasificable, con una banda sonora que recordarás durante semanas (el dan dan continuo durante toda la película en las escenas de acción es inolvidable). Excelente.