"PUSHER" trilogía

Director: Nicolas Winding Refn

Reparto: Kin Bodnia, Mads Mikkelsen, Zlatko Buric, Slavko Labovic

Año: 1996, 2004 y  2005

Puntuación: 7; 7,5 y 6,5 /10

         Trilogía formada por 3 historias relacionadas entre si, basadas todas ellas en el mundo de la droga, la prostitución y la supervivencia en ese entorno oscuro. "Pusher: Un paseo por el abismo" cuenta la historia de Frank, un camello que al meterse en un negocio de grandes dimensiones contrae un gran deuda con Milo, un gángter al que ya le debía dinero. "Pusher II: Con las manos ensangrentadas", cuenta la historia de Tommy, amigo de Frank en la primera parte, que tras meses en la cárcel, sale e intenta buscarse la vida trabajando para su padre, un conocido mafioso. "Pusher III: soy el ángel de la muerte" habla de como Milo, el gángster de la primera parte, años después de las dos primeras, se mete en problemas al hacer negocios con un albanés.

2010: ODISEA DOS "2010: The Year We Make Contact"

Director: Peter Hyams

Reparto: Roy Scheider, John Ligthgow, Helen Mirren, Bob Balaban, Keir Dullea, Madollyn Smith, Taliesin Jaffe, Douglas Rain (Hal 9000), Dana Elcar

Año: 1984

Puntuación: 6/10

        9 años después de los hechos ocurridos en la órbita de Júpiter a bordo de la USS Discovery, una nueva expedición formada por tripulación conjunta de EE.UU. y la Unión Soviética viaja de nuevo a Júpiter para intentar averiguar qué ocurrió con la nave y cuales fueron las causas del fallo de la I.A. HAL 9000. Mientras tanto, el conflicto entre las dos superpotencias de la Tierra se agrava.

      Seguir las huellas que dejó Kubrick en "2001: Una odisea del espacio" es imposible. La extraña, ambiciosa y genial obra maestra de este director dejó una marca imborrable de estilo, de manejo de los silencios, de tensión y angustia nunca vistas hasta la fecha. Las hermosas imágenes espaciales, la estética, los ínfimos diálogos, la excelente banda sonora y una máquina que se volvía loca fueron los ingredientes que dieron lugar a esa irrepetible película.

      Por eso, si uno quiere juzgar esta secuela de la historia como una continuación en sí de la gran obra de Kubrick no podemos decir nada más que esta no es vuestra película. Aquí no hay una continuación de sucesos inexplicables, diálogos inexistentes, eternos silencios y largas tomas. Lo que tenemos aquí es una película de ciencia ficción típica. Utilizada eso si, como herramienta para explicar los acontecimientos de la primera película (basándose en el libro de Arthur C. Clarke), desarrolla de una forma menos extravagante lo que queda de la historia. 

     Sin embargo, y aceptando que el estilo de la película deja de ser innovador y sigue el mismo camino que otras películas del género, la película tiene gancho. Utilizando como entorno un agravado conflicto de la guerra fría, los protagonistas, mediante una carambola política, consiguen montar una expedición mixta hasta Júpiter, antes de que las tensiones entre los países se disparen por completo. Allí los sucesos extraños continúan produciéndose, al estilo de la primera película, lo que acaba llevando a rusos y estadounidenses a llevarse bien a expensas de lo que les ordenan sus gobiernos. De esta forma, entre tensiones políticas y sucesos misteriosos, se acaba generando un atmósfera de intriga bastante lograda. La trama quizá acaba quedando cortada al forzar la salida de la expedición a todo gas con una secuencia de visiones/revelaciones al protagonista utilizando al personaje desaparecido de la primera película. Me gusta la secuencia del cable de los dos astronautas cruzando el espacio hacia el "Discovery". En contraposición a otras críticas que he leído, me parece que hacen bien en escapar del estilo Kubrick, filmando una decente y tensa secuencia hasta llegar a la nave. 

     La reactivación de "HAL 9000" quizá sea el aspecto más controvertido, y el que más malas opiniones ha creado. Pero la verdad es que le buscaron una explicación bastante lógica y sin complicaciones técnicas ni filosóficas. El tenso final, con la incertidumbre del buen funcionamiento del mítico ordenador, deja paso a una extraña reconciliación del espectador con la mítica I.A. que tanto nos había acojonado en la primera parte.

      Sin ser una obra maestra, "Odisea dos" ofrece una agradable visión, además de alguna que otra explicación adicional al complicado entramado argumental formado por los misteriosos monolitos. Una película muy criticada en su día, pero quizá demasiado infravalorada. Está bien, aunque sea solo por curiosidad.

IF ...

Director: Lindsay Anderson

Reparto: Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Robert Swann, Christine Noonan, Hugh Thomas, Rupert Webster, Peter Jeffrey, Anthony Nicholls, Arthur Lowe, Mona Washbourne

Año: 1969


Puntuación: 7,5/10

     Cuenta el día a día de un colegio mayor inglés sobre los años 60. La historia se enfoca sobre diferentes personajes de diferentes edades, centrándose finalmente en el grupo de Mick Travis y sus dos amigos, considerados unos rebeldes frente a la disciplina establecida.

     El Free Cinema fue un movimiento cinematográfico surgido en los años 50 y desarrollado a los largo de los 60, paralelamente a lo que fue la Nouvelle Vague en Francia. Centrándose en lo cotidiano y costumbrista, intentaba reflejar realidades de la época, sin ficciones fingidas. Así, surgieron películas como "La soledad del corredor de fondo", "Un lugar en la cumbre" o este "If...", centrándose en la rebeldía de su protagonista, en los problemas de la clase obrera y criticando duramente el sistema establecido.

     "If..." comienza la acción sin protagonista definido, presentando diferentes personajes que absorben la realidad del colegio mayor de diferente forma. Bajo una sutil alternancia entre blanco y negro, y color, la cámara nos retrata la llegada un nuevo y joven alumno, sometido a ser el sirviente de los más veteranos; observamos la aristocracia establecida por los más maduros y antiguos residentes, así como otros intentan ganarse un futuro prometedor alagando a estos privilegiados. Durante la primera parte de la película se hace una descripción exhaustiva de lo que suponía la educación inglesa en la época dentro de estos complejos, la estricta disciplina, los estereotipos de los alumnos y de los profesores, y las grandes diferencias con la gente del exterior. Es curiosísima la similitud de las reglas y proceder descritas en la película con las vistas en la franquicia de "Harry Potter". No es ninguna broma. Las imágenes del comedor, con los niños en enormes filas en grandes mesas, los profesores en mesas generales a parte, el vestuario, y las personalidades de los adultos salido en la película podrían reflejar en cierto modo una parodia de las películas del mago adolescente, sino fuera porque es mucho más antigua. Todo ello refleja que esta disposición y disciplina de los colegios mayores era algo típico en la educación de la época.

       Pero la película acaba protagonizada por 3 chicos, que rondarán en la película los 17-18 años, que simbolizarán la ruptura contra las reglas establecidas y que poco a poco se irán convirtiendo en el quebradero de cabeza de los más veteranos, siendo cada vez más frecuentes sus castigos. Sus ánimos de diversión se ven siempre en contraposición con las normas y la estupidez de los que las imponen. El grupo liderado por Mick Travis, interpretado por Malcolm McDowell (el también protagonista de "La naranja mecánica"), acapara el mando de la cámara y convierten la película en un canto a la liberación y la ruptura de lo establecido.

      A mitad de la película el tono pasa de formal y estructurado a presentar toques de extraño surrealismo, el guión se permite ciertas licencias y la tónica general de la película empieza a cambiar hacia una revolución a la que poco a poco empieza a apuntar el grupo protagonista. "Un hombre puede cambiar el mundo con una bala en lugar certero", esta sentencia impulsa a los protagonistas a una cruzada final contra el sistema del colegio mayor, terminando en una desoladora escena final, grotesca, osada, ambiciosa y brillante, todo a la vez, que no describiré para no estropear el final, pero en donde destacaré la impactante imagen de una anciana disparando con una metralleta gritando "¡¡malditos cabrones!!". 

     Una película que supuso un impacto drástico en la forma de hacer cine de la época, que además constituye un referente esencial del "Free cinema" y una descarada ruptura de las tendencias en favor de clarificar la realidad social de la época. Ganó la palma de oro en Cannes en 1969.

EL HOMBRE CON RAYOS X EN LOS OJOS (The man with X-ray eyes)

Director: Roger Corman

Reparto: Ray Milland, Diana Dervlis, Harold J. Stone, John Hoyt, Don Rickles

 Año: 1963


Puntuación: 6,5/10

       El reputado científico James Xabier sigue una ambiciosa investigación para ampliar los horizontes de la visión humana. Presionado por la fundación que financia sus experimentos, se ve obligado a experimentar sobre si mismo los efectos del colirio que ha creado. Al instante de la prueba James es capaz de ver a través de la ropa, diagnosticar a pacientes sin necesidad de radiografías o disfrutar de la desnudez femenina sin ningún tipo de cortejos. Pero pronto verá que el abuso de la droga conlleva unos poderes sobrenaturales pero también desventajosos.

        Títulos tan rocambolescos como el de esta película ya no surgen hoy en día. La ciencia ficción de ahora, dotada con medios tecnológicos infinitamente mejores, necesita sin embargo acudir a nombres menos espectaculares y de mayor gancho social para evitar la estampida huidiza frente a nombres tan esperpénticos como "el hombre con rayos X en los ojos". Esto es síntoma inequívoco de la falta de riqueza y originalidad del género hoy en día. Donde en nuestros tiempos una película de semejante título daría nacimiento a una comedia de terror, o a un film de terror barato solo estrenado en dvd para ser visionado por adolescente en una noche de juerga sin nada que hacer. No obstante, en los años 60, este filme es igual a suspense, solidez y absorbente emoción por ver un final a todas luces imposible de predecir.

      Sí, es serie B. Pero cine, a fin de cuentas. Esa letra solo se nota en el poco dinero que se gastaron en los efectos especiales. No les hacía falta mucho para darle más sentido a esta película en comparación con las estúpidas cifras gastadas hoy en día para hacer engendros como "2012", "Armaggedon", etc. Porque antes este género era tomado en serio, una llave para plantear retos futuros, debates filosóficos y resaltar problemas morales y sociales camuflados en forma de alienígenas, monstruos, o extraños experimentos.

     Centrémonos primero en su guión. No es una obra maestra de la lírica, cierto. Pero es más que suficiente para mantenerte en el sillón con ganas de saber qué va a pasar, de percibir lo que puede llegar a hacer un hombre capaz de atravesar muros con la mirada. Ciertos giros de guión son quizá exagerados, y exaltan demasiado una narración que no necesita excesos, ya que la dinámica es rítmica y excitante desde su inicio. También es verdad que los diálogos y acciones son a veces demasiado directas y sin dudas (el protagonista ni titubea al decidir aplicarse el colirio después de ver morir a su mono de pruebas).

      Una vez desmenuzado esto y vistos las partes buenas y malas de esta historia, tengo que decir que una de las cosas que más me ha gustado de la película es la incertidumbre de saber hasta donde podría llegar a ver nuestro personaje. La muerte del mono al inicio de la película plantea esta esencial pregunta y es lo que desencadena la mejor de todas las escenas, el final. El simio, sin haber sufrido ningún problema físico, la visión de algo que no comprende le provoca un shock que lo lleva a la muerte. Esta profundidad de visión es lo que lleva casi a la locura al protagonista, delirando en una improvisada capilla (¿Qué está viendo?, ¿el universo?, ¿a Dios?). Así, el director llega a mezclar religión y ciencia en un film de serie B de la forma más intrigante posible.

      En definitiva, un clásico de la ciencia ficción. Una de esas visiones de culto que junto a "la invasión de los ladrones de cuerpos" o "el increíble hombre menguante" constituyen ese grupo de películas que hacían grande a un género ahora desmejorado. 

      PD: Suena un futuro remake por la red. Miedo me da.

      
   

SCOTT PILGRIM CONTRA EL MUNDO (Scott Pilgrim vs the world)

Director: Edgar Wright

Reparto: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Abigail Chu, Chris Evans, Anna Kendricks, Thomas Jane, Brandon Routh, Mae Withman, Jason Schwarztman, Brie Larson, Kieran Culkin, Johnny Simmons

Año: 2010

Puntuación: 7/10

       Basada en la novela gráfica de Bryan Lee O'Malley nos cuenta la historia de como un chico de 22 años llamado Scott Pilgrim, aficionado a los videojuegos y a la música, se ve obligado a pelear contra 7 de los ex-novios de Ramona, la chica de sus sueños.

       Confieso que no me he leído el cómic. me gustan los comics, sin embargo esta popular historieta no había llegado nunca a mis manos. No obstante, dada su popularidad, no es de extrañar que tardaría poco en extenderse hasta la gran pantalla, y aunque no todos estos pasos de papel a celuloide salen bien, hay que reconocer que en este caso el resultado es brillante.

      Ante todo, y lo más importante y punto fuerte de la película es el planteamiento estético. Todo se plantea como si fuera un videojuego, de forma que cada combate en el que se ve involucrado el protagonista supone un nuevo nivel y un paso adelante en la historia. Todo está ambientado por música de computadora y simpáticos sonidos y efectos gráficos típicos del videojuego. De esta forma esta estética supone un pequeño homenaje a para todos aquellos nacidos en los 80 (como yo, en el 84), que vivimos la infancia con el nacimiento de los primeros ordenadores personales, las primeras consolas, y gastábamos nuestras pagas en los salones recreativos. 

     El ritmo es vertiginoso. La película no para. Todo el rato están pasando cosas, cada cual más sorprendente. El entretenimiento no cesa, acompañado todo el rato de una puesta en escena que no deja de llamar en todo momento la atención del espectador. Su origen del tebeo también se deja notar, ya que este tipo de novela gráfica suele destacar por tener un notable guión, lleno humor, cierta ironía y algún que otro giro y buenas frases en boca de buenos personajes. Destaca por ejemplo el compañero homosexual, su amigo tímido que también toca el bajo o su "novia adolescente". Por no hablar de los pintorescos "malvados ex-novios" (El supervegano no tiene desperdicio). 

    A diferencia de otras adaptaciones, como la de "Kick-ass", que pierde cierto interés hacia la segunda mitad de la película, "Scott Pilgrim" nos atrapa durante casi 2 horas, y se convierte en una pequeña obra de culto que agradará a los amantes del cómic, y que puede ser un referente en las generaciones posteriores, totalmente inculcadas sobre la Nintendo DS y PSP desde pequeños, y sobre maquinarias superiores al crecer. 

    El resultado final supone una piñata de vistosos fuegos artificiales endulzados por pinceladas pop/indie y fotogramas de viñeta que conforman una de las más originales comdias de acción pseudoadolescente/adultas del  año. Véanla y suban de nivel.

  

UNA HISTORIA VERDADERA (The Straight Story)

Director: David Lynch

Reparto: Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Everett McGill, John Farley

Año: 1999

Puntuación: 8/10


La historia comienza con nuestro protagonista, Alvin Straight (Richard Farnsworth) un señor de 73 años, viudo, que vive con su hija discapacitada Rose (Sissy Spacek). Viven apaciblemente en Iowa. Pero su delicado estado de salud es alarmante: sufre problemas de cadera, enfisema y por si fuera poco, sufre un brusco desfallecimiento en su propia casa. Va a ver al médico y éste le aconseja que se cuide más y que cuide su alimentación (aunque no le hace mucho caso al señor doctor). En esto recibe una llamada informándole del precario estado de salud de su hermano Lyle (su hermano mayor) del que no sabe nada desde hace 10 años y que vive en Wisconsin.
Alvin toma la decisión de ir a visitarlo en solitario y con el único medio de transporte que posee: una segadora de las de la vieja escuela.

A medias entre una road-movie, una película fina y coqueta y un drama entre dos hermanos en el ocaso de sus vidas y que no se hablan desde hace muco tiempo se mueve esta maravillosa y hermosa película. El viaje por la América profunda que hace nuestro protagonista es espectacular, los paisajes que nos transmite la cámara de David Lynch son puros y bellos, pero también solitarios y aterradores. El viaje desde Ohio hasta Wisconsin es merecedor de proclamarse tan bueno como muchas secuencias de Easy Rider.

La interpretación del protagonista es honesta y sincera, nos alienta a seguir siempre hacia delante, llueva, o exista algún traspiés en el camino, siempre hacia delante. La música nos envuelve y nos hace ver la situación del mismo, que no es otra que estar en paz con su hermano.

A medida que va avanzando en su espectacular y original viaje nos damos cuenta de la fuerza que tenemos los seres humanos en nuestro interior, ya que en su pésima situación de salud (se ayuda de dos muletas para caminar) y casi sin dinero, lo único que persigue Alvin es la paz con su hermano, la paz consigo mismo.

Yo la considero una de las primeras películas del Siglo XXI (aunque sea del año 1999) y me emocionó sobremanera la película. Las frases son geniales (miradla en versión original) y la apuesta es arriesgada, pero le salió redonda a su director. Es directamente una patada al corazón, una película de una realidad abrumadora. Una maravilla.

REBELDE SIN CAUSA (rebel without a cause)

Director: Nicholas Ray

Reparto: James Dean, Natalie Wood, San Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, Willian Hopper, Edward Platt, Nick Adams, Dennis Hopper

Año: 1955

Puntuación: 4,5

      Jim Stark es un chico con problemas de adaptación que se acaba de trasladar con sus padres a una nueva ciudad. Sus padres, con la intención de protegerlo, se mudan a un nuevo sitio con el fin de encontrar para su hijo una estabilidad social. Sin embargo, y a pesar de intentar evitar los problemas, Jim no puede esquivar el enfrentamiento con un grupo de chicos, que querrán probar su valía.

     El mito de la rebeldía, la juventud y representante de las nuevas generaciones de la época se llamaba por entonces James Dean. Su muerte lo encumbró como una leyenda que, con 3 películas en toda su carrera, se alzó en lo más alto del Olimpo del celuloide. El talento desplegado en su corto currículum quedó grabado en la mente del cine para siempre. Su segunda película, "Rebelde sin causa", llevaba atrasada en mi filmoteca digital (es decir, disco duro lleno de archivos "divx") durante meses. El tiempo de reserva no hizo, por desgracia, mejorar el contenido de la película. Pocas veces ha sido tan grande mi decepción. Pocas veces había sido testigo de semejante patada al sentido común y al buen gusto a la hora de confeccionar un guión.

    Durante los primeros minutos pensé que la incongruencia de ciertas conversaciones podría verse afectada por los a veces lamentables doblajes a nuestra santa lengua, a la cual me remitía por falta de subtítulos para el sonido original. No obstante, ese maravilloso formato llamado Dual, impagable a todas luces, me permitió apreciar de nuevo en esas dudosas frases, su procedencia original, la cual para mi asombro, seguía teniendo el mismo nefasto significado. Mis disculpas para los dobladores.

     Quitando a un lado que tiene una banda sonora notable, y unas interpretaciones más que aceptables, el resto podría ser digno de la serie B más cruda. Toda la historia transcurre en un único e interminable día, donde nuestro protagonista pasa de ser un desconocido a acabar presenciando dos muertes y llevándose a la chica. Buen trabajo James. Si estuviéramos hablando de "La jauría humana", esa genial obra maestra de Arthur Penn, entenderíamos que en el cine todo es posible si se hace con encanto y arte. Al igual que en la película de Penn, en "Rebelde sin causa" también se intenta hacer una crítica a la sociedad americana de entonces, centrada en la juventud. Pero eso no justifica diálogos de besugos entre padres e hijos, ni que dos tios apunto de arriesgar sus vidas por su honor se hagan amigos a última hora y justifiquen sus actos al grito de "Algo tendremos que hacer". Pretensiones trascendentalistas baratas.

      El más simpático de todos los personajes se llama Judith. Chica mona de turno, novia del chulo de turno que tras morir, se enamora tan solo 2 horas después del protagonista, superando un inapreciable (e instantáneo) trauma. Decir, en lo que es la mejor frase de la película, que nadie es sincero y que todos se bañan en hipocresía no salva a este personaje de la quema. Como tampoco se salva el personaje de "Platón". Sin meternos ya en su inexplicable ocecación por Jim (nuestro querido Dean), no se en que momento de la película su soledad justifica que empiece a tiros con todo el mundo.Ni los del a "Nouvelle Vague" transfiguraban tanto las emociones.

     Defectos hay como agua en el mar. Mi sorpresa es que esta desdeñable película proceda de una de las mayores épocas de creación de obras maestras de Hollywood. Solo la explotación de su estrella justifica su creación. No entiendo como existiendo guiones de la época como "la gata sobre le tejado de cinc" o la ya nombrada "la jauría humana" pudieron salir engendros como este. Pero lo más decepcionante es sin duda como un maestro del calibre de Nicholas Ray pudo acceder a realizar un guión tan dudoso. Sobre todo cuando este director es el artífice de una obras maestras como "Johnny Guitar" o "En un lugar solitario", donde Humphrey Bogart le podría haber enseñado algunas cosillas al colega Dean. 

      Creo que la rebeldía tiene bastantes mejores reivindicaciones que ésta en el mundo del cine. Hace que se me caiga el mito.

EL CONDUCTOR (The driver)

Director: Walter Hill

Reparto: Ryan O'Neal, Bruce Dem, Isabelle Adjani, Ronee Blakley, Felice Orlandi, Matt Clark.

Año: 1978


Puntuación: 6,5/10

        Un conductor, conocido como "el Cowboy", es la obsesión de un detective de la policía y su brigada, quienes llevan mucho tiempo persiguiéndole. El "Cowboy" trabaja como conductor para escapadas de atracos, considerado el mejor, y siempre meticuloso en sus métodos y exigente en la contratación de sus servicios, ahora deberá hacer frente a la trampa que el detective le ha puesto en su camino.

        Las "road movies" ya  no tienen el significado de antes en la actualidad. Con la franquicia de "the fast and the furious" como mayor estandarte, la esencia del género se ha tornado comercial, de espectáculares efectos especiales, coches imposibles, mujeres despampanantes (lo cual no está mal), y guiones secos y predecibles, satisfactorios solo para los días muy aburridos, llenos, eso sí, de "tunning", mucho "tunning". 

      Lejos quedaron películas como "Bullitt", en la cual Steve McQueen marco un hito en la historia del cine, con escenas impresionantes sobre las inclinadas calles de San Francisco, con aquellos hermosos coches americanos de los 60 y 70. Como esa podríamos recordar muchas otras con grandes persecuciones, como la que realiza Gene Hackman por debajo de las vías del tren en "French connetion", o los asombrosos tramos que se pueden ver en "Ronin". De entre ellas, siguiendo esta esencia, apareció a finales de los 70 "Driver", una de las primeras películas de Walter Hill. 

      En este caso, Ryan O'Neal interpreta a un duro y habilidoso conductor de alquiler, escueto en palabras, expresivo en gestos, es un hombre solitario de vida irregular, sin casa ni familia. Sin decir demasiadas palabras en toda la película, de guión en general pasable pero no genial, el protagonista nos hace participar de persecuciones trepidantes, bajo una ambientación nocturna, sintiendo la ciudad y su ruido, el coche y su motor, la carretera y sus curvas. Coches de una época pasada, sin arreglos quiméricos, ni acrobacias imposibles, siempre a una distancia palpable por el ser humano. 

      Con notable emoción, asistimos a una historia de la vieja escuela de los 70, sin historias complicadas, con revólveres de gran calibre, y contundentes personajes. Una buena muestra de un género que hace tiempo que se dejó de practicar.

    

AL FINAL DE LA ESCAPADA (A bout de souffle)

Director: Jean-Luc Godard

Reparto: Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Henri-Jacques Huert, Roger Hanin.

Año: 1960


Puntuación: 6/10

         Un hombre llamado Michel roba un coche en Marsella y se dirige a París. Por el camino tiene un accidente, y casualmente asesina a un policia con un revolver que había en el coche. Al llegar a París, busca a Patricia, una chica americana que busca nuevas aspiraciones en Europa. Michel, enamorado de Patricia, intenta convencerla de que se vaya con él a Roma, mientras la policia le anda buscando por todo París.

        La "Nouvelle vague" fué un movimiento del cine francés, surgido a finales de los 50, y que se fué puliendo hasta más de la mitad de los años 60. Directores como Truffaut, Godard, Rivette o Rohmer fueron claves durante esta época de esplendor y resurgir del cine francés. Dos de los máximos exponentes de esta "nueva ola" fueron "Los 400 golpes" de Truffaut, y  "Al final de la escapada" de Jean-Luc Godard.

       Ésta última, considerada como uno de los pilares básicos de aquel cine innovador, apuesta por un tono rápido y vivo, con cortes repentinos de cámara, transiciones rápidas, planos exagerados, y en general un tono dinámico y novedoso. Los personajes, de emociones contradictorias, parecen demostrar cierta indiferencia ante algunos hechos de notable importancia, mientras que otras emociones provocan en ellos cierta exageración de las formas y el comportamiento. Y al final todo queda en una patraña, con perdón a los devotos.

      El resultado es hacer una película de forma que el montaje se haga a lo loco, deformar el guión para obtener personajes vivaces, jóvenes y emocionalmente impactantes, y prolongar las escenas inútiles y acortar las importantes argumentalmente, para hacer parecer que es una película que intenta profundizar en ciertos temas existencialistas como el amor, la soledad, la madurez o cualquiera de esas movidas de siempre. Al final nos queda por supuesto un película de culto, supertransgresora, y, lo más importante, moderna. Todo con tal de ser modernos, y por supuesto, parisinos. Sinceramente, aquí un humilde señor, lo único que encuentra es una película aceptable, llena de snobismo francés.

       Sin haberme parecido la mejor película de la historia, me gustó más "los 400 golpes", menos pretenciosa y más enfocada a buscar al público y hacer hincapié en lo cotidiano, que era de lo que se suponía que trataba eso de Neorrealismo (a lo que pertenecía la "Nouvelle vague"); o también "Pickpocket" de Breson, un poco anterior a esta nueva tendencia. "Al final de la escapada" se queda al final en una entretenida película, que llama la atención, pero que no es mejor que otras películas de cine independiente como "Primer" o "Man from Earth", más llamativas en su argumento, e igual de influyentes en su narración.

       Una vanguardia que, para mí por ahora, me está decepcionando. Mucho ruido, pero poco contenido final.

WAKING LIFE

Director: Richard Linklater

Reparto: Ethan Hawke, Julie Delpy, Wiley Wiggings, Trevor Jack Brooks, Tmothy Speed Levitch

Año: 2001

Puntuación: 8/10

      Un anónimo personaje presencia en sus sueños diferentes testimonios y conversaciones de gente que no conoce. Todos ellos mantienen motivados discursos en los que tratan temas relacionados con la muerte, el individualismo, el yo, la mente y el alma, y la sociedad.

      Bajo una estética animada, plasmada sobre personajes reales usando la técnica de la rotoscopia, apareció hace algunos años esta interesante película de cine independiente. De gran contenido filosófico, se van tratando diferentes temas de carácter existencial, bien mediante discursos directos, como por conversaciones o diálogos entre varias personas, todos ellos bajo el contexto de los sueños.

     Lejos de presenciar una aburrida y abstracta antología filosófica acerca de temas tan tratados por los más conocidos ensayistas, los diálogos fluyen de forma lógica e intuitiva ejemplificando cada una de las teorías propuestas. Las ideas planteadas, muchas de ellas familiares al espectador, se mencionan de forma natural, surgiendo de la nada, pero con completa espontaneidad, con lenguaje palpable y entendible, dejando paso a una reflexión propia que invita a uno mismo a participar mentalmente de la conversación y a la expresión de acuerdos y desacuerdos.

      Pero a tan curioso contenido le acompañan imágenes de desconocida belleza, formadas a partir de una técnica no muy extendida, pero que a este director ya le ha proporcionado más de un buen resultado (véase "A scanner Darkly"). Las palabras se ven acompañadas de hipnóticas formas y colores, muy expresivas, que incluso a veces intervienen en la propia conversación, como si de un profesor y su pizarra se trataran.

      El bello contenido de la película hace de ella un exótico fruto, increíblemente fácil de consumir para su temática, ligero y reflexivo, que deja tras de sí una placentera sensación de necesidad de conocimiento y búsqueda del propio papel en la vida.

EL IMAGINARIO DEL DOCTOR PARNASSUS (The imaginarium of Doctor Parnassus)

Director: Terry Gilliam

Reparto: Christopher Pulmmer; Heath Ledger, Tom Waits. Lily Cole, Andrew Garfield, Verne Troyer, Mark Benton, Johnny Deep, Jude Law, Colin Farrell, Peter Stormare.

Año: 2009

Puntuación: 7/10

El misterioso circo del doctor Parnassus aporta a sus espectadores un espectáculo muy diferente al resto. Con sus asombrosos poderes mentales el Dr. Parnassus será capaz de entrar en tu mente e introducirte en un mundo de sueños y fantasía maravilloso, mostrado a través de su espejo mágico.

Un película de mundos fantasticos realizada por la imaginativa y especial mente de Terry Gilliam. Quizás una obra incomprensible, quizás una obra de arte. Ciertos directores no solo llevan sus ideales y vivencias plasmadas en sus películas, rozando el guión, el argumento o ciertas tomas o movimientos de cámara; sino que dan un paso más allá a la hora de plasmar su huella, dándole a sus películas un toque de ambientación que quedará para siempre como seña de identificación de sus películas. Así lo demuestran David Linch o Tim Burton. Éste último, junto con el señor Gilliam son los máximos exponentes de la personificación de los decorados y el vestuario. No cabe duda de que basta ver unos minutos de cualquiera de sus películas para reconocer al creador.

En concreto, Gilliam nos suele mostrar esperpénticos decorados, sobrecargados, barrocos, y muchas veces oscuros, sucios y deprimentes, dando siempre una sensación siempre entre enfermiza y claustrofóbica, y a la vez apacible y curiosa. En esta película, Gilliam nos muestra su lado más alegre y colorido, dándole una atmósfera totalmente onírica a su película. Divierte saber que no sabes lo que te vas a encontrar en la siguiente escena. También asusta ver como se deja llavar por el surrealismo, dando lugar a situaciones y momentos realmente extraños, incitándole a uno la necesidad de consumir LSD para intentar obtener una mejor comprensión de la película.

Todo ello se ve además acentuado al tener unas más que buenas interpretaciones, dejando un buen sabor de boca la última actuación de Heath Ledger y la presencia de Christopher Pulmmer. La muerte del protagonista, junto con las colaboraciones de colegas de la talla de Jude Law, Johnny Deep y Colin Farrell termina por darle a la película todas la papeletas terminar de convertirse en un filme de culto.

En medio de toda la locura que supone, diré como conclusión que me gusta. Me he visto hipnotizado cada vez que alguno de los personajes atravesaba ese maldito espejo, y creo que si los sueños no son así, se tienen que parecer mucho a como los cuenta este niño grande de Terry Gilliam. Veanla drogados y luego me comentan la experiencia por favor.

LA NOCHE DEL CAZADOR (The Night of the Hunter)

Director: Charles Laughton

Reparto: Robert Mitchum (Predicador Harry Powell), Shelley Winters (Willa Harper), Lillian Gish (Rachel Cooper), James Gleason (Birdie Steptoe), Evelyn Varden (Icey Spoon), Peter Graves (Ben Harper), Don Beddoe (Walt Spoon), Billy Chapin (John Harper), Sally Jane Bruce (Pearl Harper), Gloria Castillo (Ruby).

Año: 1955

Puntuación: 8,5/10

Dos niños guardan secretamente el dinero del último atraco de su padre, condenado a muerte tras ser atrapado. Durante sus últimos días en la cárcel, comparte celda con el un extraño y siniestro predicador llamado Harry Powell, quién escucha en sueños la historia del dinero. Al salir de la cárcel, el predicador hará todo lo posible para que los niños le acaben diciendo donde se encuentra el dinero.

Hipnótica película, una historia intensa, que deslumbra con su gran manejo de la luz, y la tensión del relato. Deja para la posteridad escenas inolvidables tales como el paseo del predicador, cantando a caballo, mientras los niños se esconden en un granero; o los momentos en los que relata la historia entre sus dos manos: Amor y odio.

Debemos destacar la descripción que se realiza de los ideales sociales de la época en la que se ambienta la película. La sumisión completa a Jesús por parte de la madre de los críos, el poder que el predicador ejerce sobre los ciudadanos, la manipulación a través de la tradición y la fe.

Pocas películas puedo recordar con un personaje tan carismático y a la vez tan aterrador con el interpretado por Robert Mitchum; una especie de loco agradable y simpático, grandísimo psicópata, que en este caso le gusta matar con la justificación de Jesús.

Única película de Charles Laughton, el director de una sola película. Para qué más...

THE WARRIORS (los amos de la noche)

DIRECTOR: Walter Hill.

INTÉRPRETES: Michael Beck, David Harris, James Remar, Thomas Waites, Dorsey Wright, Brian Tyler, Deborah Van Valkenburg.

AÑO: 1979.

PUNTUACIÓN: 8,5

Nueva York, años 70. La ciudad está plagada de bandas callejeras, distribuidas por territorios, que se debaten entre sí por el poder de sus respectivas zonas. El lider de una de las bandas más influyentes convoca una tregua. Todas las bandas de la ciudad se reuniran en el punto establecido. El plan, unirse contra la policía y tomar el control. Pero, de entre la multitud, sale una bala asesina al líder y los Warriors son acusados del crimen. Ahora la tregua está rota, y los Warriors tienen que atravesar toda la cuidad para llegar a casa.

Prácticamente desconocida en España, en EE.UU. está considerada una película de culto. Yo la conocí cuando se editó el videojuego para PS2, y mi curiosidad me llevó a bajármela. Creo que no pudo ser mayor nuestro asombro al verla. Emocionante como pocas, podríamos considerarla una primera aproximación a las sensaciones que te produce ver "300". Unos pocos pobres diablos, contra toda una ciudad. No se puede tener más huevos.

Empezando por los personajes, los miembros de la banda tienen cada uno diferentes aportaciones a la historia, y cada uno es carísmático de diferente manera. Tipos duros, bien organizados, vestidos con un chaleco muy "cool". El guión, tampoco sin grandes alardes, deja algunas frases para la posteridad con las que echar alguna carcajada. Bien dirigida (esto también es siempre a gusto de cada uno), la película tiene momentos para todo, sin centrarse únicamente en las peleas callejeras sin más, teniendo escenas muy diferentes, con situaciones muy peculiares. Cuando ves esta película no puedes quedarte sin hacer ningún comentario.

Hay que comentar además, que la banda sonora es genial, y acompaña perfectamente al desarrollo de la película.

Es de esas películas que te dan pena que acaben al llegar el final.

OLD BOY

Director: Park Chan-Wook

Actores: Choi Min-sik (Oh Dae-su), Woo Ji-tae (Lee Woo-jin), Gang Hye-jung (Mido)

Año: 2003

Puntuación: 7'5/10

Un hombre que llevaba una vida completamente feliz, es secuestrado y encerrado en una extraña cárcel durante 16 años. Durante este periodo, y tras enterarse del asesinato de su familia, decide entrenarse en el recinto donde está confinado, y jura venganza contra aquel que le ha encerrado.

Una historia original (basada en un conocido manga) dinámica y bien contada. La película te atrapa desde el primer momento, haciendote pensar también a ti porque coño le tienen a él encerrado. Una vez libre, observamos el increible entrenamiento al que se puede llegar a someter uno mismo... las escenas de combate, que nada le tienen que envidiar a películas como matrix, son de lo mejor visto en los últimos tiempos. El combate en el pasillo con el ascensor al fondo merece la pena verlo varias veces.

Una película sobre la venganza. Sangre y violencia, no estuvieron tantas veces juntas desde que a Tarantino se le dio por engendrar reservoir dogs.

LA ULTIMA NOCHE (25th HOURS)

Direct0r: Spike lee (2002)

Act0res: Edward Norton, Philip Seymour Hoffman, Barry Pepper.

Puntuacion: 8/10

Tipico domingo noche. No sabes que hacer. Te aburres. Decides, como muchos otros necesitados de diversion, alquilar una pelicula. Cualquiera, con tal de pasar el rato (incluso Titanic... no, nunca).

Recorriendo la repisa, encuentas una insolita pelicula, de la que jamas oiste hablar. Edward Norton en portada y Spike lee la avalan. Nunca, alquilar por alquilar habia salido tan bien.

Lejos de ser una pelicula para pasar el rato, nos encontramos con una historia dura, sobre un hombre apunto de ser encarcelado, culpado por crimenes de drogas, que la vispera a entrar en la carcel, sale dispuesto a despedirse de sus seres queridos. Bajo este argumento, encontramos una dura y muy directa critica a la sociedad americana, con la que te encuentras de sopeton, sin tiempo a respirar, recibiendo el gope directamente (increible escena delante del espejo).

Un guion sorprendente, sin complejos, apostando por hacer lo que a uno le da la gana. Un increible Edward Norton, muy bien acompanado por un todavia desconocido Philip Seymour Hoffman y Barry Pepper (quien tambien tiene una gran intervencion).

Despues de verla le dije a mis amigos una y otra vez que la vieran, sin exito. Espero que desde aqui, la gente me haga mas caso.